Julieta Ulanovsky: progettare tra città e memoria

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Un dialogo con Julieta Ulanovsky per ripercorrere la formazione alla FADU-UBA, la nascita di Montserrat e un approccio al design che intreccia tipografia, osservazione della città, memoria grafica e costruzione dell’identità.

di Ariel Brandolini (Design Associati)

Julieta Ulanovsky è una graphic designer e type designer argentina, formatasi presso la Facoltà di Architettura, Design e Urbanistica dell’Università di Buenos Aires (FADU-UBA), e cofondatrice dello studio ZkySky, che dirige dal 1989 insieme a Valeria Dulitzky.

Il suo lavoro si colloca all’intersezione tra design editoriale, identità visiva e tipografia, con uno sguardo attento alla cultura materiale e alla memoria grafica della città. È autrice del carattere tipografico Montserrat, sviluppato a partire dall’osservazione delle lettere urbane dell’omonimo quartiere di Buenos Aires e pubblicato nel 2011 come progetto open source, oggi utilizzato in milioni di siti web in tutto il mondo.

Attraverso il suo studio ha sviluppato progetti che combinano design, ricerca ed editoria, con un forte interesse per il patrimonio culturale e per la dimensione narrativa del design. Il suo percorso rappresenta una linea molto particolare all’interno della cultura progettuale della FADU: quella che mette in relazione il graphic design con la città, la memoria e la costruzione dell’identità.

Quali aspetti della formazione ricevuta alla FADU hanno maggiormente influenzato il tuo modo di intendere il design e, in particolare, la tipografia?

Credo che la FADU abbia cercato di ampliare il nostro sguardo. Ho studiato Graphic Design quarant’anni fa, senza computer, tra le tante altre cose che allora erano diverse. L’intento della facoltà era quello di risvegliare in noi il desiderio, la curiosità, la fame di crescere e conoscere. Quell’intensità era legata anche al fatto che in Argentina avevamo riconquistato la democrazia da pochissimo tempo.

Il corso di laurea in Graphic Design dell’UBA è caratterizzato dalla centralità del progetto e del lavoro nei laboratori. In che modo questa metodologia ha contribuito alla tua formazione professionale?

Credo molto nel fare. E credo molto nel lavorare con gli altri. Non conosco altro modo per far crescere un progetto di design se non attraverso lo sguardo degli altri. Iterare, provare, persino ricominciare da capo quando è necessario. Credo che sia questo ciò che mi sono portata via dal laboratorio, come un tatuaggio.

Il progetto Montserrat nasce dall’osservazione della tipografia urbana di Buenos Aires. In che modo questo sguardo sulla città si collega alla formazione che hai ricevuto alla FADU?

Per qualche ragione, forse per la giovinezza, per il periodo storico, per la presenza ancora limitata dei social network, ho avuto la possibilità di divagare. Oggi credo che sia molto difficile anche solo avere un’idea. Non dico realizzarla o persino metterla alla prova, ma avere quel vuoto o quel tempo necessario per pensare, o perché qualcosa possa accadere.

La FADU ha sempre puntato su una formazione che prendeva in considerazione la storia, la comunicazione, l’estetica, la tecnologia, la morfologia e i media. Credo che questo abbia ampliato le nostre menti e i nostri interessi. Ci ha preparati a pensare e a prestare attenzione alle nostre idee. A imparare a coltivarle, condividerle, argomentarle e difenderle.

Montserrat è nato come progetto di recupero di un patrimonio grafico urbano e ha finito per diventare uno dei caratteri tipografici più utilizzati al mondo. C’è qualche episodio, decisione o aneddoto legato a Montserrat che vorresti condividere con il pubblico italiano?

Credo che l’aneddoto più divertente sia quello che è successo durante gli ultimi Mondiali di calcio. Si avvicinava la sfida contro la Svizzera e qualcuno ha pubblicato su Instagram — o forse era TikTok — che il vero duello sarebbe stato: Montserrat vs. Helvetica. È stato divertente perché ne sono apparse diverse versioni, con variazioni grafiche, storie e così via. Io ero terrorizzata da tutti quei contenuti, a cui si aggiungeva la tensione totale per la partita!!! Ma per fortuna abbiamo vinto. Solo dopo sono riuscita a ringraziare tutti quelli che avevano pubblicato qualcosa: ho raccolto tutto qui.

Non smette di sorprendermi quello che è successo, e continua a succedere, con questo carattere tipografico. Qualcosa di Montserrat è diventato davvero popolare e questo mi piace molto: come accade con alcune canzoni, la gente se ne appropria.

Nel tuo lavoro emerge una forte relazione tra design e memoria culturale. Quale ruolo ha il design nella conservazione e nella reinterpretazione del patrimonio visivo?

Il design, in questo senso, è uno strumento. Ci offre la possibilità di trasformare ciò che ci interessa in un linguaggio. Il design fornisce formati per registrare, ricordare e valorizzare. Il design si fa strada attraverso il nostro sguardo. Possiamo editare ciò che vediamo. Attraverso il nostro lavoro, qualcosa che giace dimenticato in un angolo può essere recuperato e tornare a occupare un posto. Il design è prezioso anche perché invita a costruire narrazioni identitarie.

Con ZkySky sviluppi progetti che combinano identità, editoria e ricerca. Come si costruisce un approccio al design che va oltre il singolo artefatto grafico e diventa un sistema culturale?

I nostri progetti sono nati dal design, da una ricerca che combina e incrocia dati. Ci piace questa definizione del design come sguardo trasversale. Non cercavamo di arrivare a un sistema culturale, ma è successo.

Quando abbiamo realizzato El libro de los colectivos, abbiamo iniziato con molti dubbi, seguendo soltanto l’intuizione che ci fosse qualcosa di interessante da sviluppare. Provando e riprovando siamo arrivati al linguaggio grafico che ha dato forma al libro. E anche alla possibilità di vedere in modo diverso un mondo che abbiamo continuamente davanti agli occhi, come quello dei colectivos, gli autobus di Buenos Aires: attraverso il design e con amore.

Ci piace pensarlo come uno sguardo che recupera. E questo, a poco a poco, si propaga. Lo vediamo andare oltre il nostro lavoro e ispirare persone più giovani.

La FADU ha formato generazioni di designer dotati di una forte coscienza critica. In che modo questa dimensione culturale del design ha influenzato il tuo percorso professionale?

È vero, non ci avevo pensato, ma sì. La FADU è una facoltà pubblica in cui eravamo — e continuiamo a essere — moltissimi studenti. Si è sempre data priorità all’imparare a osservare e al non dover dipendere troppo da ciò che dice un docente. Si incoraggiavano il lavoro di gruppo e la conversazione, piuttosto che l’imposizione di una linea da seguire. Forse ha a che fare con questo. Anche la richiesta di un alto livello qualitativo ha generato uno sguardo critico che ancora oggi continua a far parte di me.

Molti dei tuoi progetti nascono dall’osservazione del quotidiano: insegne, architetture, spazi urbani. Quanto è importante il contesto nel tuo processo progettuale?

Moltissimo. Sono una persona di strada e rituale. Sono abitudinaria, mi piace fare sempre le stesse cose. Credo anche che, come dice Andrew Howard, sia più facile scoprire un mondo che inventarlo. E sento una particolare affinità estetica per le cose semplici che, con la giusta inquadratura, possono trasformarsi in qualcosa di bello e vicino. Non dimentichiamo che il design è comunicazione.

Mi piace pensare che esistano due assi. Uno orizzontale e uno verticale. Quello orizzontale avanza e impara, procede velocemente, genera tendenze, conosce nuove tecnologie e sa assorbire linguaggi. L’asse verticale, invece, rimane su una o due cose. E scende in profondità, si immerge nello stesso lago ancora e ancora. Esplora nuovamente ciò che già conosce e trae beneficio dai nuovi sguardi su qualcosa che conosce già. Credo di appartenere a questo secondo asse.

Mi piace come lo definisce Valentín Muro:

«Sono sicuro che ciò che mi ero proposto di fare […] avrebbe potuto essere fatto in un altro modo. Ma se c’è qualcosa che gli anni ci danno, sono le opportunità di provare modi diversi di fare la stessa cosa. Con più o meno tempo, con più o meno whisky, nicotina o ansia. Soprattutto, ci danno l’opportunità di scoprire perché continuiamo a farlo e per chi.»

Nel corso degli anni hai lavorato sia nel design editoriale sia nella tipografia. Come dialogano queste due discipline all’interno della tua pratica?

La tipografia ha acquisito forma e narrazione allo stesso tempo. Non è stata sempre la stessa cosa, né nel modo in cui la vedevo né in quello in cui la chiamavo. Quando ho iniziato a lavorare nel mestiere della grafica, la tipografia era qualcosa di simile a un fenomeno meteorologico. Vedevo e intuivo cose diverse, ma erano cose date, come il giorno e la notte. Molto tempo dopo ho capito che erano qualcosa realizzato da qualcuno e con un qualche tipo di intenzione.

All’inizio del corso di laurea non esisteva un insegnamento di tipografia: è arrivato dopo. Quella materia mi è mancata. Diversi anni più tardi si è trasformata in un corso post-laurea e ho potuto frequentarlo: Diseño de Tipografía alla FADU. Lì, vent’anni dopo essermi laureata, mi sono aggiornata un po’, ma in ogni caso, con maggiori o minori strumenti a disposizione, la tipografia mi è sempre stata vicina.

Anche il dialogo tra design editoriale e tipografia si è trasformato nel tempo. Nelle decisioni, negli aspetti e in ogni utilizzo. Se facciamo libri, vedere il risultato sulla carta diventa sempre più necessario. Lo schermo ci porta a sbagliare la scelta dei corpi tipografici.

Guardando al panorama attuale, credi che il graphic design argentino presenti caratteristiche proprie rispetto ad altri contesti internazionali?

Credo di sì, credo che esista un’identità argentina. Sarebbe un argomento da trattato, ma in tutti gli ambiti del design — industriale, grafico, architettonico, tipografico, della moda e tessile, dell’immagine e del suono, ecc. — se ne trovano molti esempi.

Quello che vedo, però, è che “argentino” è una categoria enorme. Buenos Aires non è Salta, e la città di Buenos Aires non è la stessa cosa della campagna profonda a sei ore di viaggio, pur trovandosi nella stessa provincia. Le statistiche e il catalogo del Sello Buen Diseño argentino ne danno una buona testimonianza.

Se dovessi descrivere la FADU con una sola idea o immagine, quale sceglieresti?

Luce e forza.

Tutte le immagini riprodotte per gentile concessione di Julieta Ulanovsky e Valeria Dulitzky.Estudio ZkySky.

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Parte di questa intervista è stata pubblicata su Grafica Magazine, n. 8 (giugno 2026).